lunes, 23 de diciembre de 2013

ENTREVISTA CON THE SMOGGERS

Un mundo sin fuzz sería como un mundo sin luz


Parece difícil de creer que en apenas un lustro, The Smoggers hayan cosechado tantos logros, sobre todo si se les compara con otras agrupaciones que llevan toda una vida inmersos en el mundo de la música y todavía no han conseguido ni la mitad de lo que este cuarteto español ha logrado.

Originarios de Sevilla, el conjunto conformado por Ana (batería), Gusti (bajo), Jesús (guitarrista diestro y segunda voz) y Fernando (guitarrista zurdo y voz principal) es uno de los más perseverantes y trabajadores dentro de la actual escena de garage de Europa. Con cada presentación -las cuales son demasiado habituales- se ganan nuevos adeptos.

Ellos no tienen ningún problema en describir su propuesta musical como "garage-punk salvaje, sin concesiones y sin nada de habilidad". Como complemento, añaden que "nosotros no decimos que somos buenos músicos ni que hacemos canciones muy sofisticadas... simplemente vendemos actitud y diversión".

Su discografía al momento la conforman dos 10", tres 7" y un split junto a los japoneses The Fadeaways. Como dato anecdótico, dos de sus materiales han sido considerados por este blog como de los mejores del 2011 y 2012.

Con motivo del lanzamiento de su primer LP (Join The Riot, editado por Clifford Records) fue que sostuve la siguiente plática virtual con Fernando, el líder y fundador de la banda, en donde cuenta cómo surgió la fotografía de portada de su nuevo álbum, lo mejor de tener a Mike Mariconda como productor, sus guitarristas zurdos favoritos, los países en los que se han presentado y cómo imaginaría un mundo sin fuzz, entre otras cosas.

De izq. a der. Jesús, Fernando, Gusti y Ana

¿Cómo conociste el rock & roll? ¿Fue por tu familia, amigos o cómo llegaste a este género musical?

Desde los 15 o 16 años en el Instituto comencé a intercambiar con mis compañeros cintas en cassettes de los Rolling Stones, The Cramps, The Fuzztones, Ramones, Dr. Feelgood, entre otros, hasta que me pude comprar mis primeros vinilos que todavía recuerdo perfectamente: It's Alive de los Ramones, el Sticky Fingers de los Rolling Stones y Axis: Bold As Love de Jimi Hendrix.

¿Quiénes son tus guitarristas zurdos favoritos de la historia?

Jimi Hendrix por supuesto; sentía gran atracción por su música, seguramente por el impacto que suponía ver que uno de los grandes era zurdo como yo y podía hacer con la guitarra cosas alucinantes. También me ha gustado la forma de tocar de Tomy Iommy de Black Sabbath, que aunque no tiene mucho que ver con la música que ahora escucho habitualmente, sí hubo una temporada en la que me atrajo su forma de tocar. Después descubrí a algunos músicos más clásicos como Albert King en el blues o Dick Dale en la música surf.

¿Cómo le describirías el sonido de The Smoggers a una persona que nunca los ha escuchado?

Bueno, después de estos años yo creo que somos una banda de R&R que hacemos garage-punk pero con un sonido peculiar. Es como si tomases el sonido de bandas salvajes de los 60's como The Sonics, Electras o Swamp Rats y le sumases un plus de energía revival de bandas como The Mummies, The Gories, The Makers, The Cramps o las bandas de Billy Childish y, por supuesto, líneas compositivas de reverb, de voces y coros del revival de los 80's. 
¡¡¡Simplemente es R&R simple, contundente y muy energético… muy punk!!!


Ustedes son una de las bandas españolas de rock & roll de mayor proyección internacional que existen en la actualidad, ¿qué sentimientos te deja el haber podido presentarse en distintos países de Europa?

Rolar y tocar por media Europa: Inglaterra, Francia, Italia, Suiza, Portugal y próximamente Holanda y Alemania te da un plus a la hora de tocar en concierto. ¡Es un subidón inexplicable pero que nos encanta!

Antes de The Smoggers, ¿ustedes pertenecieron a otras bandas? ¿En la actualidad algunos de ustedes tiene algún proyecto alterno?

Es curiosa tanto la pregunta, que ya nos la han hecho en otras ocasiones, como la respuesta, que es simplemente NO. The Smoggers es un proyecto de 4 personas que amamos el R&R que hemos escuchado toda la vida, pero que nunca hemos tocado en otras bandas previamente y, de hecho, ninguno hasta el momento toca en otros proyectos paralelos.


Después de dos 10”, tres 7” y un split, ¿qué fue lo que los llevó a, por fin, grabar su primer Larga Duración?

Pues curiosamente los formatos que has nombrado nos encantan. Creemos que en ellos se puede definir y plasmar en muy pocos minutos a qué suena una banda y qué tipo de canciones hacen; no obstante, y aunque estamos muy cómodos en los formatos pequeños, la presión de hacer un Larga Duración estaba ahí, ya que por lo menos en Europa, ninguna banda tiene una relevancia importante si no se presenta en formato LP. Simplemente creemos que ya tocaba.

¿A qué se debe que su álbum se titule Join The Riot [Únete a la revuelta]?

El título es una invitación a la sublevación y lo puedes interpretar de muchas maneras. Para nosotros, Join the Riot y nuestra actitud en la foto de portada deja claro que somos una banda en pie de guerra, una banda que quiere mostrar que ama el R&R y cree que la escena de garage en España necesita una renovación y una actitud más real, que deje a un lado el business [negocio] y amiguismo que existe en ella actualmente. Es una invitación también a escuchar R&R y Garage-Punk en estado puro, sin concesiones.

¿Qué nos puedes contar de su nuevo álbum? (número de canciones, autor de la fotografía de portada, anécdota extraña durante la grabación, incluirá algún cover o sólo temas propios, etc.)

El álbum contiene 13 canciones, pero que como en nuestros lanzamientos pasados, muestra nuestra peculiar visión del Garage-Punk y el R&R; es decir, ¡¡¡el sonido Smoggers!!!
El diseño del disco lo ha hecho de forma magistral Daniel Zapata.
Puedo contar la historia de la fotografía de portada porque es muy particular: ¡la tomamos nosotros mismos! Mientras nosotros posamos, Gusti Smogger, nuestro bajista, ajustó el temporizador de la cámara y corrió hacia nosotros para posar junto al resto de la banda antes de que se tomara la foto jeje, ¿no está nada mal la foto para sacarla así no? 
De todas formas la foto se hizo una mañana de agosto a las 9 de la mañana, antes de iniciar una de las últimas sesiones de grabación del LP con Mike Mariconda y Maxi Hollers que nos estaban esperando en el estudio para reanudar el trabajo de grabación.
En cuanto a los temas el disco, tiene 11 temas propios y 2 covers de temas clásicos del garage-sixties: una adaptación del “We're Pretty Quick” de The Chob adaptada por nosotros con letra en español titulada “Sólo una Vez Más” que da fin a la cara A del álbum. El otro cover cuenta con la voz de nuestra baterista, Ana Smogger, y se trata de “Wild Man”, un tema de The Tamrons pero más conocida por la versión que grabaron las Headcoatees.

Mike Mariconda es prácticamente su productor de cabecera, ¿qué es lo mejor de trabajar con él?

¡¡¡TODO!!! Mike es estupendo e increíble, es un tipo súper profesional con grandes ideas y una visión de la banda muy definida que pone su alma para que nuestros discos salgan adelante de la mejor forma posible. Él, desde Smoggin' Your Mind (Clifford Records, 2011) vio hacia dónde podía girar la banda en su sonido. Nuestra identidad como banda y nuestro sonido es en gran parte responsabilidad suya. Su carrera como músico es alucinante ya que sus Raunch Hands y Devil Dogs forman parte de la historia de la música underground. Como productor es único también y ya lo ha demostrado produciendo a grandes bandas de R&R, garage, rockabilly y soul de medio mundo. 
También tenemos que mencionar a Maxi Holler quien ha sido el co-productor de casi todos nuestros discos y ha ayudado a Mike en muchos de los procesos de la grabación y producción; Maxi ha tenido un gran protagonismo en este álbum.

En su nuevo álbum vienen algunos temas cantados en español, ¿a qué se debe que en el pasado no lo habían intentado?

La mayoría de los integrantes de la banda nos hemos criado musicalmente en la cultura anglosajona del R&R y nos gustaba tener una identidad ligada a esa cultura, sobre todo porque también suponía un handicap [obstáculo] ya que ninguno de nosotros somos nativos de ningún país anglosajón; no obstante, cantar en español nos ha ido motivando y creíamos que en este disco era hora de abrir ciertos caminos que teníamos apartados.


En el teaser promocional de su nuevo álbum se puede leer una declaración de Leighton Koizumi (The Gravedigger V y The Morlocks) en donde alaba su trabajo, e inclusive antes, Mike Kastelic (The Cynics) dijo que The Smoggers son de las bandas que nunca defraudan, ¿ustedes qué sienten cuando otros músicos de esa importancia se expresan así de su trabajo?

Sobre nosotros han escrito ya músicos de la talla de Joe Emery de los Ugly Beats, Michael Kastellic de The Cynics, Steve Sunrise de The Satelliters y Leighton Koizumi de The Gravedigger V y The Morlocks. Nosotros amamos a sus bandas desde hace años y leer a estos músicos decir grandes cosas de nuestra música nos deja alucinados. Es un gran honor para nosotros ver ese aprecio que no tiene precio. 
Lo que no sé es qué le parecerán esas palabras a las demás bandas españolas que tanto nos han ignorado durante algunos años jeje. Mucho habría que hablar de esto y aunque me voy a callar al respecto, sí puedo decir que lo último que he leído sobre Smoggers venía de boca de Frank Secich, músico mítico de entre otras agrupaciones los Dead Boys y los Stiv Bator, que decía que le parecíamos “increíbles”. NO COMENT!! jeje.

¿Qué bandas en activo de Sevilla recomiendas?

Ufff es una pregunta difícil porque Sevilla es una ciudad con una población de cerca de un millón de personas contando su área metropolitana; sin embargo, aquí hay pocas bandas de R&R underground. Hay bandas de Punk-Rock y alguna cosa más, pero que hagan Garage-Punk nosotros somos los únicos en activo. De todas formas, respecto a eso quizá habría que preguntarle al Doctor Cowabunga de Grabaciones Cowabunga que seguramente pueda dar más información sobre la escena en Sevilla. Nosotros estamos muy apartados de ella desde siempre.

¿Puedes mencionar el título de algunos discos lanzados durante este 2013 que más te gustaron y no te cansaste de escuchar?

Seguro se me olvidará algo bueno pero aquí van: respecto a EP's me mola todo lo que han sacado The Routes (Hole In My Soul es excepcional), me parecen una banda especial; el EP The Moonstones con KOTJ Records mola mucho también. Respecto a LP's, el segundo de los Jackets, el último de los Branded, el álbum de los Electric Mess es otro rollo pero muy buen disco, la reedición de un álbum de los Bohemian Bedrock (conocidos en Europa como Optic Nerve) me ha molado mucho por su rollo revival, el último álbum de The Barbacans me parece que ha sido un buen disco y el Satisfaction Woman de los Explosivos, pero no sé si también es del 2013, pero me parece de lo más fresco e interesante que han hecho. 
Tampoco puedo dejar fuera el último de los Fuzztones en donde se recreen, es decir, que vuelven a versionear a los grandes de forma magistral, y por último el álbum Big Beat de una de mis bandas favoritas: The Woogles.

Y por último, ¿cómo imaginas un mundo sin fuzz?

Jejeje nunca nos habían hecho esa pregunta. Pues prácticamente como un mundo sin luz jeje. Bueno, realmente el sonido de las bandas de garage es difícil de plantear sin utilizar este diabólico sonido que da tanta lata en los directos [conciertos] pero sin el que no podríamos sonar como sonamos. En Smoggers en todos los temas siempre una de las dos guitarras tiene fuzz, lo cual significa que sin él, sería complicado sonar como sonamos. Ya sabes, ¡¡¡In Fuzz We Trust!!!
Por último, decir que ojalá pronto podamos ir por México para tocar y conocer a toda la buena gente que desde allá nos sigue. ¡¡Un abrazo y Viva México!!


El próximo concierto que The Smoggers tienen confirmado será el 3 de enero en la Sala Wah Wah de Valencia.
Para conocer más de la banda pueden visitar su Facebook; su nuevo álbum se pude comprar directamente con Clifford Records.

miércoles, 11 de diciembre de 2013

Reseña: Los Pegajosos - Profecía Celeste (Discos Intolerancia, 2014)


Una de las constantes de la escena mexicana de surf es la inconsistencia; con la misma rapidez con la que nacen, también se separan las bandas. Basta con echarle un vistazo a los flyers de los conciertos de hace uno o dos años -para no irnos más lejos- y ver cuántas bandas del género continúan en activo. Pocas bandas como Los Pegajosos, quinteto que acaba de cumplir 13 años ininterrumpidos de sacarle brillo a sus instrumentos. Para celebrarlo, ya tienen listo Profecía Celeste, el cuarto LP dentro de su discografía.

Si uno ha seguido de cerca la carrera de este conjunto poblano, seguro sabrá que, aunque el surf es su eje rector, tampoco son unos puristas de la música. A lo largo de su trayectoria han creado canciones -a veces discos enteros- en donde se adentran en el rock & roll, el hot rod y hasta los "sonidos calientes"; sin embargo, también es bastante notorio que tienen cierta debilidad por los sonidos espaciales o, como algunos gustan llamarlo, el space surf.

Con fama ya internacional, el grupo conformado por Q-Per, Tiki Boy, Jaco B-2, Ritchie Reverb y Zanku han logrado llevar su música fuera de las fronteras mexicanas y el año pasado emprendieron una exitosa gira por Costa Rica, logro más que significativo si se toma en cuenta que no son el tipo de bandas que gocen de alta difusión en los medios tradicionales de comunicación.

Además, Los Pegajosos también han sido un semillero musical del que han surgido varios proyectos alternos como Infrasónico, The Ultra Fantastic Toxic Palmeras, Los Zonámbulos, Mondongo y Los Guanábana.

En esta nueva placa es todavía más obvia la influencia adquirida por agrupaciones como Man Or Astro-Man?, Servotron y The Spotnicks. Los doce temas que integran el material tienen en común las referencias al espacio exterior, los robots y todo lo que implique vida en otros planetas. Ya hace un par de años ofrecieron un adelanto en el EP On Radar, del que rescataron algunos temas que ahora aparecen en nuevas versiones aquí.

Lo primero que se escucha al reproducir el disco es la voz de Jaime Maussan (el principal estudioso del fenómeno OVNI en México, aunque con una reputación no tan respetada), quien con una de sus declaraciones catastróficas sirve de introducción para "Hidrógeno", un potente tema instrumental que hará temblar al cerumen de todos los oídos. De características similares es "Alpha Volcano", el primer sencillo que inclusive cuenta con un video grabado durante la gira que tuvieron Los Pegajosos por Costa Rica. En el mismo tenor trepidante e intergaláctico está "In Vitro", reverberante canción que serviría para musicalizar los sueños más retorcidos de un Philip K. Dick criogenizado. En las antípodas se encuentra "Mad Waves", si acaso la única muestra de un sonido relajado y tranquilo en los poco más de 35 minutos que dura el álbum.

Todos los temas cuentan con sampleos tomados de viejas películas de ciencia ficción, lo que emparenta todavía más a los mexicanos con agrupaciones como MOAM?, Destination: Earth! y The Supersónicos.

Con esto, Los Pegajosos se reafirman como una de las sorpresas musicales mejor guardadas de Puebla y de todo el surf mexicano. Con pasos pequeños pero seguros, han construido una carrera sólida que ya quisieran muchas bandas nacionales que sí cuentan con apoyos y facilidades.

Y para redondear la parte musical con la tecnológica, el disco cuenta con una atractiva sorpresa si mediante un celular se escanea la portada del álbum.
De momento, el álbum sólo está a la venta en formato digital, la versión en CD estará disponible a partir de enero a través de Discos Intolerancia.



domingo, 8 de diciembre de 2013

ENTREVISTA CON GUADALUPE PLATA

Hipnosis auditiva a ritmo de blues

Contrario a lo que cualquiera pudiera pensar, uno de los géneros musicales más difíciles de ejecutar es el blues. A simple vista, pareciera demasiado simple, pero las cosas cambian en el momento en el que uno deja el lugar de espectador e intenta emular a los antiguos guitarristas afroamericanos provenientes de las inmediaciones del río Mississippi.

Con una historia que se remonta al 2008, Guadalupe Plata es un trío proveniente de Jaén, Úbeda, al sur de España, que decidió retomar el añejo blues e impregnarle ciertas dosis de rock y punk hasta obtener como resultado un pantanoso sonido que hipnotiza los oídos.

La banda la integran Pedro de Dios en la guitarra y voz, Carlos Jimena en la batería y Paco Luis Martos en el barreño -un primitivo instrumento que consiste en una única cuerda que imita los sonidos de un contrabajo- y segunda guitarra. Para bautizar a la agrupación utilizaron el nombre de la deidad local y desde entonces, se han convertido en la sensación musical española que gana adeptos diariamente.

Con una discografía que consiste en dos LP's, dos EP's, dos 7" y un split, Guadalupe Plata se alza como una de las bandas más activas de la actualidad. Siempre están en constante gira, ya sea por toda España como en Estados Unidos, país al que han visitado en tres ocasiones.

Gracias a una iniciativa encabezada por el gobierno español, Guadalupe Plata visitó por primera vez México y ofrecieron dos conciertos. La mañana del 4 de diciembre, justo al terminar la prueba de sonido en el Centro Cultural de España, tuve la oportunidad de sentarme a platicar con los tres ubetenses quienes de buen humor, respondieron atentos mis interrogantes y prometieron firmemente que regresarán a México lo antes posible.

                   De izq. a der. Carlos Jimena, Pedro de Dios y Paco Luis Martos

¿Cómo fue que conocieron el blues?

Paco Luis Martos (PLM): Desde pequeño por mi familia que tenían varios discos en su colección.
Pedro de Dios (PdD): En mi casa en realidad no había blues, hasta que cumplí los 14, 15 años y el hermano de Carlos le regaló un CD de blues y a partir de ahí la cosa se volvió posesiva; formamos un grupo, luego otro grupo, y bueno, Guadalupe Plata ha sido fruto de esos grupos que siempre han estado encaminados hacia el blues, la psicodelia y el rock & roll.

¿Ustedes tres cómo se conocieron entre sí?

Carlos Jimena (CJ): Somos del mismo pueblo (Úbeda) los tres y al ser todos músicos, siempre las personas que tienen gustos similares acaban juntándose. Pedro y yo nos conocemos casi desde chicos y a Paco Luis lo conocimos porque es un guitarrista muy bueno de la ciudad, que admirábamos desde que éramos más chicos y bueno, se vino con nosotros y nosotros encantados de tenerlo en la banda.

¿Como es la escena musical de su ciudad? ¿Ustedes qué otras bandas recomiendan?

PdD: Nos gustan Los Tsunamis, una banda de surf y, de hecho, Matías que toca el saxofón, también ha tocado con nosotros en otras bandas que teníamos antes e inclusive yo mismo diseñé la portada del primer álbum de Los Tsunamis.
Úbeda la verdad es que no es un sitio muy grande, pero en la provincia de Jaén siempre ha existido una escena de surf, por ejemplo con The Gaforic Explosion que fueron los pioneros; también es un pueblo que ha sido pionero en el tema de festivales de surf instrumental, cuando en España no existían eventos así.
CJ: Es un lugar donde hay mucha variedad y muchos grupos, a pesar de que la ciudad es muy pequeña.
PdD: También hay un foro muy importante que es La Tetería, donde han tocado las bandas más importantes de la zona y también se han encargado de traer a bandas extranjeras... Lost Acapulco tocaron ahí hace unos meses.

¿Cómo es el proceso de composición musical de Guadalupe Plata?

PdD: Es muy improvisado, primero hacemos un esqueleto de la canción con la guitarra y voz y ya después vamos acoplando los demás instrumentos. no es una cosa muy esquematizada... siempre nos dejamos llevar.

¿Ustedes a qué se dedican cuando no están con Guadalupe Plata? ¿Tienen proyectos alternos o trabajos convencionales?

CJ: Paco es el único que tiene un trabajo formal, es carpintero. Pedro y yo estamos dedicados completamente a la música.
PdD: Yo tengo otra banda llamada Pelo Mono y también tengo otra banda que se llaman Los Creyentes con la que tocamos una o dos veces al año porque en realidad somos un grupo de amigos que cuando podemos, nos escapamos y hacemos rock & roll.

En su página de Bandcamp, sus primeros tres materiales se pueden descargar gratuitamente, ¿por qué lo hicieron y qué opinan de compartir libremente la música a través de internet?

PLM: Porque la música tiene que fluir.
PdD: Y porque yo creo que el tema de descargas, si tú lo pones gratuito y a la persona le gusta, luego va y compra el disco porque tiene un valor material. Además me gusta ahora porque no es como antes cuando te comprabas los discos "a ciegas", que sólo conocías una o dos canciones, comprabas el disco y te llevabas tremendas decepciones; con esto se evita eso, además nosotros somos un grupo que vivimos del directo [los conciertos].
PLM: Pero también entendemos que legalmente, hay personas que tienen que vivir de los derechos... no sé, productores, escritores, agentes.
PdD: Pero también pienso que eso de sacar un disco cada cinco años y vivir de los derechos es algo bastante obsoleto... me parece raro eso de que sin hacer nada, recibas dinero durante tanto tiempo... pero bueno, eso ya es otro tema bastante debatible.

¿A qué se debe que sus álbumes no tienen título?

PdD: Eso siempre nos lo preguntan y la verdad es que a mí no me parece tan extraño.

Me recuerda como a Led Zeppelin y sus primeros materiales...

PdD: Sí, pero por ejemplo, tú te compras un disco de Leadbelly, de Charlie Patton o de algún bluesero antiguo y tampoco viene con un título. A mí me parece que nuestros discos se pueden identificar simplemente con las ilustraciones: el disco de los gatos, el del perro, etc.

Y tampoco les ponen fotografías donde salgan ustedes en las portadas, siempre ponen ilustraciones...

PdD: Sí, a mí en lo particular me gusta más eso que las fotografías; sin embargo, eso no significa que no me gusten las fotografías en general. De hecho Carlos es el que se encarga del tema de las fotografías que utilizamos de promoción o de prensa.

¿Cómo fue que surgió la colaboración con Walter Daniels [legendario armonicista de Chicago] que incluso grabaron un EP de covers juntos?

CJ: Walter Daniels es nuestro amigo y primero lo llevamos a España porque es un armonicista muy bueno que tiene la maldad dentro, hicimos una gira juntos y al finalizarla, nos metimos al estudio y grabamos un EP de cuatro temas. A partir de ahí lo hemos visitado cuando hemos ido de gira a Austin, nos quedamos en su casa y para nosotros es como un hermano.

¿Y cómo han sido sus giras por Estados Unidos, que de alguna forma es la cuna del blues? ¿Allá la escena de blues es más fuerte?

PdD: Yo creo que en todos lados pasa lo mismo, cuando tienes algo que decir no importa el lugar. Allá el público respondió bien; además, te das cuenta que conforme pasa el tiempo y vas yendo con frecuencia, el público empieza a asistir a los conciertos y eso está muy bien porque a pesar de la distancia y el largo viaje, te das cuenta que la música le puede gustar a cualquiera.
CJ: La música es un sentimiento universal, ellos te comprenden sin importar el idioma. De hecho, respecto al blues, en Estados Unidos tienen una mentalidad diferente a la que tenemos en España, tal vez porque se han criado con él y lo tienen más presente en sus vidas y no son nada cerrados.
PdD: Lo de la cuna del blues es cierto, pero yo he percibido que allá, el blues es algo muy pequeño, muy underground... allá las personas conocen más a un Eric Clapton o a Stevie Ray Vaughan que a músicos que tienen más importancia para mí como Howlin' Wolf o Charlie Patton.

En su LP más reciente (Guadalupe Plata II, 2013) viene una nueva versión de "Jesús Está Llorando", ¿por qué eligieron ese tema para volverlo a grabar?

PdD: Porque la primera vez que lo grabamos, a mí no me gustó mucho cómo quedó porque sonaba demasiado festiva y yo quería algo más crudo...
PLM: Eso también es muy discutible porque a mí no me desagrada en lo absoluto la primera versión... ahora la veo diferente, ni mejor ni peor.
PdD: Esa canción me gusta pero quería llevarla más a la ultratumba, más lenta, más áspera; además, eso que hacen la mayoría de grabar una canción en un disco y después ya no volverla a repetir, no me gusta.

En una entrevista leí que ustedes declararon que uno de sus músicos favoritos es Frank Zappa y precisamente hoy (4 de diciembre) se conmemoran 20 años de su fallecimiento, ¿cuál fue la mayor lección que les dejó el guitarrista del eterno bigote?

CJ: A mí la etapa que más me gusta es cuando estuvo con The Mothers [of Invention]. Para mí fue una completa revelación cuando lo escuché por primera vez, algo que me cambió la percepción de todo lo que yo había escuchado hasta ese momento.  Jimmy Carl Black, el baterista, me parece buenísimo, tiene unos temazos, como "King Kong" que es una barbaridad. Me gusta mucho porque me estimula.
PdD: Aparte la actitud de Zappa, era un irreverente, un punk que se burlaba de todos y tenía un humor ácido. Yo creo que era un genio que hizo tantos discos que es imposible escucharlos todos, pero te puede tocar con alguna canción porque hizo canciones de todos los géneros, creo yo.

Y por último, ¿por qué ustedes cantan en español y no en inglés como los blueseros americanos?

PdD: Porque yo no sé hablar inglés (risas).
PLM: Porque es la forma en que nos expresamos, hay cosas que no tienen traducción en inglés. La manera de hablar y expresarte, no la puedes hacer si no comprendes verdaderamente el idioma.
PdD: A mí no me importaría hacerlo si fuera bilingue, pero como no lo domino, prefiero el español.


Reseña: Caníbales - Doom Blues (Autoeditado, 2012)


Como ya se ha demostrado, la escena de stoner rock cada vez es más grande y sólida en México. Y por fortuna, también se ha expandido a otros estados del país. Guadalajara parece ser una de las ciudades del interior que mejor respuesta le ha dado a este género, para muestra está Caníbales, un joven trío que pide a gritos -literal- ser escuchado.

Ellos debutaron en el 2009 con su álbum homónimo, un año después lanzaron el EP (gratuito) Mercenario y fue el año pasado que vio la luz su segundo larga duración, bajo el nombre de Doom Blues.

La música del grupo conformado por Jesús Canibal (guitarra y voz), Hernán Descortéz (bajo) y Ciego Sevilla (batería) presenta partes de rock estridente, psicodelia, blues y demoniacos riffs de guitarra. Un plus que tienen es el hecho de cantar en español, algo no muy común dentro del stoner rock mexicano.

Son el equivalente a recibir un derechazo seco y directo en los oídos. En los ocho temas que conforman el material no hay falsas pretensiones ni concesiones. Entre sus intereses no se encuentra el querer agradarle a todos ni están dispuestos a cambiar con tal de convertirse en el grupo más popular del momento. Su dignidad no está en venta.

En las letras de sus canciones existe cierto misticismo y misterio, cada una de ellas engloba una pequeña historia narrada por Jesús, quien tiene un tono de voz bastante peculiar que le ayuda a diferenciarse del resto de vocalistas nacionales que, en muchas ocasiones, abusan del grito.
A destacar "Lobo Estepario", "Estrella Del Desierto" y "Doom Blues".

Reseña: Los Glosters - Gritos EP (Clifford Records, 2013)


De la mano del sello almeriense Clifford Records es que llega el nuevo EP de Los Glosters, un divertido quinteto (en vivo a veces se transforman en sexteto con la incorporación de su productor) proveniente de Tarragona, España, que ya cuentan con 16 años de trayectoria.

Con una larga cantidad de sencillos y Ep's sobre sus espaldas, este nuevo trabajo viene en forma de un vinilo de 7" que incluye cuatro temas propios (más un código que permite descargar una canción extra) en donde su característico sonido ye-yé se entrelaza con el beat, rock & roll y pop de raíces sixties. En resumen, le cantan al amor de una forma tan divertida y amena que hasta el más amargado se levantará a bailar desde el primer instante que los escuche.

Dejan fuera las complicaciones y decidieron continuar con el camino de la felicidad y los temas cantados a coro que, gracias a sus letras tan fáciles de memorizar, son ideales para cualquier concierto. Ya los imagino en cualquier concierto, animando al público para que los ayude a cantar.

El EP también lo caracteriza el gran número de invitados que tuvieron. Aparecen Aya Sima y Adriana Prunell, cantantes de The Pepper Pots, el musicólogo Radiolux Franky y los guitarristas Chus Cano y Juan Zarpa.

La banda la conforman Puri Pedrola (bajo), Evan Dedes (batería), Héctor Mir (órgano), Ramón Cuenca (voz) y Carlos García (guitarra), que desde 1997 dieron vida a Los Glostrers, luego de la disolución de Els Pirats, conjunto en el que militaban algunos de ellos. Desde entonces su idea ha sido bastante clara: poner a bailar a la mayor cantidad de personas... y lo han hecho bastante bien.


miércoles, 27 de noviembre de 2013

¡GUADALUPE PLATA EN MÉXICO!

Parecía que era cuestión de tiempo para poder tener por primera vez en México a Guadalupe Plata y hoy, eso es una realidad. El trío español de blues/rock pantanoso -que en esta página se ha recomendado innumerables veces- estará en nuestro país para ofrecer únicamente dos fechas en la capital. Los conciertos confirmados son los siguientes:

4 de diciembre - Centro Cultural de España
5 de diciembre - Caradura

La primera fecha forma parte de la tercera edición del festival Sounds From Spain, que en esta ocasión se realizará el miércoles 4 de diciembre en la Planta Baja del Centro Cultural de España (República de Guatemala #18, Colonia Centro); se presentarán Cápsula (rock psicodélico), Guadalupe Plata (blues-rock), Xoel López (folk) y Zenet (crooner que gusta de cantar a capella). Todo empieza a partir de las 8 PM y la entrada es libre.

Además, Guadalupe Plata aprovechará este viaje exprés por tierras mexicanas y se presentarán el jueves 5 de diciembre en el Caradura (Nuevo León #73, Colonia Condesa). En esta ocasión se acompañarán de Xoel López y Francois Peglau. La entrada también será libre.

El festival Sounds From Spain es un evento organizado por la Embajada Española en México a través de su Oficina Económica y Comercial, y tiene como objetivo fomentar la exportación de la música española a través de diferentes acciones internacionales. Del 3 al 5 de diciembre se realizarán diversas actividades que contarán con la presencia y apoyo de los sellos españoles El Volcán Música, Esmerarte, Everlasting Records, Gaztelupeko Hotsak, Gigntik Music, La Castanya Records, Vagabundos Records y Vamm Records. Además, colaboran ARTE, ICEX Aedem, Promusicae, UFI (Unión Fonográfica Independiente) y Casete. Para más información pueden consultar aquí.

La primera edición de Sounds From Spain en México se realizó en septiembre del 2009 y contó con las presentaciones de Triángulo de Amor Bizarro, Los Coronas, Christina Rosenvinge, Digital 21 y Los Planetas; mientras que la segunda edición se realizó en marzo de este año y se presentaron Corizonas, Love Of Lesbian y Supersubmarina (ver crónica).



Para ir calentando motores:


lunes, 18 de noviembre de 2013

Invitación: Noche de garage, punk y rock & roll

Este viernes 22 de noviembre se presentarán Los Explosivos (recién llegados de su gira europea), Ugly Miss Piggy, Electric Shit y Los Rockefeller en el UTA Roma (Querétaro #224, Col. Roma). Además, también estaremos Junk Wild y yo pinchando solamente vinilos con una selección musical de garage, punk y rock & roll acorde al sonido de las bandas que tocarán.
Todo comienza a las 20 horas y el cover es de $60.

El link del evento en Facebook:


domingo, 17 de noviembre de 2013

Reseña: Bang Bang Band Girl - Lies EP (Kizmiaz Records, 2013)


El sello francés Kizmiaz Records -que tomaron su nombre de un tema de The Cramps- acaba de lanzar el primer material de Bang Bang Band Girl. Para no romper con la tradición de la disquera gala, viene en un vinilo de 7" con una distintiva ilustración de portada.

Cuando se habla de Bang Bang Band Girl uno se tiene que remontar a Sheri Corleone, una chilena (aunque ahora radica en Perú) apasionada de la música y con una larga trayectoria en el mundo del rock & roll y todas sus vertientes. Entre los múltiples proyectos en los que ha participado se encuentran The Psicoxtaticos en donde se inclinaba hacia el rockabilly; The ExGirlfriends Dead que estaba más ligado al noise; Varsovia, que lo describe como minimal punk; y Raskolnikov Y Los Escarabajos Obreros, banda que tocaba garage-sixties. Con esto uno puede darse cuenta que una novata no lo es.

Pero después de años de pertenecer a bandas, Sheri decidió emprender su propio camino y así nació Bang Bang Band Girl, que, bajo la modalidad de one-man-band (o one-lady-band, que es el término que ella prefiere) presenta sus primeras dos composiciones, de las cuales, una ya había aparecido en el compilado Old School Sudamericass Monobandas! del año pasado.

Ayudada de una guitarra eléctrica, un bombo, un par de platillos (todo ejecutado por ella al mismo tiempo, obviamente) y con la producción de Johnny Cake, se distingue por cantar en inglés y tener una fuerte influencia de personas como Johnny Cash, Nancy Sinatra y Wanda Jackson.
En la cara A suena "Lies", un tema relajado en donde se perciben reminiscencias al blues y el country norteamericano. Por su parte, en la cara B se encuentra "When I Hear Train Is Coming", canción que a través de un ritmo taladrante, se adentra en los terrenos del rock & roll primigenio.

Con la firme idea de hacer las cosas a su manera, esto es apenas el primer fruto de una extenuante y laboriosa carrera musical. El primer paso siempre es el más difícil, ahora lo único que queda es continuar por este sendero pantanoso en espera de que lleguen los siguientes frutos.


jueves, 14 de noviembre de 2013

Programación del BESTIA Festival


El día de hoy, mediante una conferencia de prensa, se dieron a conocer todos los detalles de la primera edición del BESTIA Festival que se realizará del 25 al 29 de noviembre e incluirá actos musicales, audiovisuales e intervenciones callejeras. Los recintos en los que se llevarán a cabo serán el Museo Diego Rivera Anahuacalli, Museo Universitario del Chopo, Cineteca Nacional, Cine Tonalá y espacios públicos.

Con la presencia de Claudia Curiel (directora del festival), José Wolffer (director de Plataforma Radar AC), Tito Fuentes (músico y diseñador de Bang Buró), Michael Lipkes (director y crítico de cine) y Emiliano Berruecos (director creativo de ARCA Laboratorio Creativo), todos culpables, en mayor o menor medida, de que este festival se pueda realizar, es que se definieron de forma concreta todas las actividades que tendrá la primera edición del BESTIA Festival.

Como se comunicó desde hace unas semanas, el concierto principal del BESTIA Festival será la primera presentación en México de Moonchild, un ensamble armado por John Zorn en donde él se encarga de dirigir a Mike Patton (voz), Joey Baron (batería), Trevor Dunn (bajo) y John Medeski (teclado). Es importante mencionar que John Zorn NO participa como músico, él se encarga de toda la composición y son los cuatro músicos arriba mencionados los que ejecutan las partituras sobre el escenario.
El concierto, además, será doblemente especial porque, por un lado, servirá de pretexto para que el grupo interprete Templars: In Sacred Blood (Tzadik Records, 2012), su álbum más reciente y en donde destaca su fusión de sonidos litúrgicos, rock, cantos gregorianos y hasta algunas partes cantadas en latín. Por otra parte, este año el saxofonista neoyorquino cumplió 60 años y los celebró con una serie de conciertos alrededor del mundo; la fecha en México será la última de su gira en este 2013.
Esta magna celebración se realizará el 29 de noviembre en el Museo Diego Rivera Anahuacalli. Los boletos tienen un costo de $700 y se pueden comprar en Ticketmaster o directamente en las oficinas del festival (Av. Centenario #107, Col. Del Carmen).

Como preámbulo del concierto, se prepararon las BESTIA Sesiones, que consisten en promover el talento mexicano a través de presentaciones en vivo y grabaciones audiovisuales. En este caso, se eligió a Annapura y Monogatari, dos proyectos capitalinos que, pese a contar con trayectorias bastante cortas, son unos dignos representantes del punk, trash y sonidos experimentales que actualmente se hacen en México. Las sesiones que cada banda realizó ya se encuentran disponibles en internet y la presentación en vivo se realizará el 27 de noviembre en el Museo Universitario del Chopo y será de entrada libre.




Otra parte importante del festival es el ciclo de cine denominado BESTIA Cine, que fue curado por el propio John Zorn y está compuesto por largometrajes que fueron musicalizados por él mismo. Las películas que se proyectarán serán Workinman's Death (2005) de Michael Glawogger, Nobel Prize Winner (2010) de Timo Veltkamp, The Black Glove (1997) de Maria Beatty, Boy (The Rain Horse) (2008) de Dmitry Geller, Belle De Nature (2009) de Maria Beatty, Kiya Kiya (2011) de Akino Kondoh y Well Then There Now (2011) de Lewis Klahr. De forma adicional, también se proyectará The Golden Boat (1990) del chileno Raoul Ruiz por considerarla complementaria del ciclo.
Todas las cintas se proyectarán del 25 al 29 de noviembre en la Cineteca Nacional y los días 27 y 28 de noviembre en el Cine Tonalá.

También, para esta primera edición se creó BESTIA Gráfica, que busca dialogar con la música y las artes visuales. La intensión es que cada año se cuente con un artista diferente que invite a reflexionar sobre las prácticas disidentes en el arte contemporáneo. Este año se tendrá como artista urbano a Mother's. De aquí se deriva BESTIA TERRITORIOS, que tiene como objetivo la apropiación y resignificación del espacio fuera de los lugares convencionales del circuito artístico. Producto de esto es que el artista visual Mother's ha intervenido algunas calles de la ciudad de México a través del graffiti, la pintura mural y la ilustración.

Lograr concretar esta primera edición fue un esfuerzo que tomó alrededor de año y medio, especialmente porque no se cuenta con grupos taquilleros o con el respaldo económico de grandes patrocinadores, pero bien vale la pena apoyar estos esfuerzos que, desde pequeñas trincheras, siempre son los más arriesgados y propositivos. De obtener resultados positivos depende de que el festival se siga realizando por más ediciones.

Para más información pueden consultar la página oficial del festival:

martes, 12 de noviembre de 2013

¡KRAFTWERK EN MÉXICO!


Todavía no termina este año pero ya se confirmó uno de los conciertos imperdibles para el 2014. Kraftwerk, banda alemana pionera de la música electrónica, estará de regreso en la ciudad de México. El concierto se llevará a cabo el 13 de marzo del 2014 en El Plaza Condesa; además, el espectáculo incluye proyecciones en 3-D, una innovación que implementó la banda en las fechas que ha tenido a lo largo de este año.

Los boletos tendrán un costo de $850 en pista, $1000 en palcos y $1150 en la zona VIP y balcones laterales. La venta arrancará a partir de este 15 de noviembre a través de Ticketmaster y en las taquillas del inmueble.

Con esto, será la tercera vez que el conjunto teutón se presente en nuestro país. La primera y más "íntima" ocurrió el 16 de noviembre del 2004 en la Carpa Neumática del Hipódromo de las Américas; en cambio, la segunda vez que estuvieron en territorio mexicano fue como banda "telonera" de Radiohead en los multitudinarios conciertos que ofreció el grupo británico en el Foro Sol en marzo del 2009.

Formados en 1970, son uno de los grupos pioneros en el uso de sintetizadores. Ellos fueron una de las agrupaciones que mayor impulso le ha dado a eso que actualmente se conoce como música electrónica -cuando todo era análogo-, aunque ellos prefieren el término tecnopop.

Después de un par de años con poca actividad pública, fue hasta marzo del año pasado que Kraftwerk regresó a la vida activa con una serie de ocho presentaciones en el Museo de Arte Moderno (MoMA) de Nueva York en donde reinterpretaron en orden cronológico, cada uno de los álbumes de su discografía oficial. Un aliciente es que también incluyeron una serie de proyecciones en 3-D que se muestran al fondo de los cuatro músicos. Este mismo espectáculo se ha presentado a distintos espacios artísticos, salas y festivales musicales durante este 2013.

Actualmente, el único miembro de la alineación clásica (Florian-Ralf-Karl-Wolfgang) que continúa en la banda es Ralf Hütter. A él se suman Fritz Hilpert, Henning Schmitz y Falk Grieffenhagen, quienes serán los encargados de hacer sonar clásicos de la música contemporánea como "Autobahn", "The Robots" y "Radioactivity" el próximo 13 de marzo en nuestro país.

Un video de su espectáculo en 3-D:

domingo, 3 de noviembre de 2013

Reseña: Capsula - Solar Secrets (Gaztelupeko Hotsak, 2013)


Con la idea bastante clara de que todo sacrificio vale la pena si a cambio podrás dedicarte de tiempo completo a lo que más te gusta, fue que nació Capsula (así, sin tilde) en 1998 en Buenos Aires, Argentina. Su creador fue el guitarrista y cantante Martín Guevara, quien con el pasar de los años, encontró en Coni Duchess (bajo) e Ignacio Solimo (batería) sus compañeros idóneos de sueño; los tres decidieron aventurarse y mudarse a Bilbao, País Vasco, donde actualmente radican.

El trío tiene un profundo amor por géneros tan distintos entre sí, como el space rock, el blues, el shoegaze, el garage y el punk. Al combinar todo, resultó un sonido oscuro, denso, pesado y fantasmal.

Hicieron de su vida una aventura y prácticamente todo lo que llevamos del siglo XXI ha sido gira-álbum-gira, no han parado y la palabra 'vacaciones' no aparece en su diccionario personal. Con esto, han logrado recorrer buena parte del territorio europeo y Estados Unidos, con lo que se han ganado el aprecio y respeto de medio mundo, incluyendo a la crítica especializada y no tan especializada, llegando incluso a ser considerados por David Fricke (periodista estrella de la revista Rolling Stone) como una de sus bandas favoritas.

Desde un inicio, los sudamericanos siempre mostraron pleitesia por David Bowie, uno de sus músicos favoritos de toda la vida. Luego de que el año pasado inclusive realizaron varios conciertos en los que interpretaron de forma íntegra el álbum The Rise And Fall of Ziggy Stardust And The Spiders From Mars del músico británico, este año llegaron todavía más lejos y lograron que Tony Visconti (productor de cabecera de Bowie) aceptara producirles su nuevo trabajo.

Los diez temas que integran el disco están cantados en inglés y desde el primer instante uno se sumerge en densas capas que combinan a la perfección la distorsión y el feedback con amigables armonías, lo que hace imposible no recordar a bandas como Sonic Youth, Black Rebel Motorcycle Club, T. Rex, Dinosaur Jr. y hasta los primeros trabajos de The Flaming Lips. Sonidos sucios y pantanosos que sirven de recubrimiento a una psicodélica voz que nos transporta a otros mundos.

El tema abridor es "The Riverside Of Love", que suena al comienzo de un viaje dimensional y que a su vez, sirve de punto de unión con "Constellation Freedom", una poderosa canción que gracias al bajeo y voz de Coni, nos hace recordar a los ahora separados Sonic Youth. Sin embargo, el mejor momento llega con "Seven Crimes" (que contiene la acertada frase "We are all slaves of the same lie" que resuena a lo largo de toda la canción), un lento y espeso tema que suena a la unión de Velvet Underground con Hüsker Dü.

El álbum está disponible a través del sello vasco Gaztelupeko Hotsak en CD y en un psicodélico vinil azul.
Después de tantos sacrificios y abandonarlo todo, poco a poco han ido cosechando el fruto de su trabajo constante.

Durante todo noviembre estarán de gira por Estados Unidos, pero será el 4 de diciembre que le harán un hueco a su agenda y se presentarán por primera vez en México junto a Guadalupe Plata en el Centro Cultural de España. Concierto más que recomendado.



ENTREVISTA CON SUTRAH

Hipnosis lisérgica a base de guitarras endemoniadas con Sutrah

De unos años a la fecha, el stoner rock ha cobrado importancia a nivel mundial. Las guitarras duras y rasposas son acompañadas de bajos demoledores, una batería taladrante que nunca pierde el ritmo y vocalistas que parece que escupen fuego mientras cantan. Con tan pocos elementos es que se crea este tipo de rock desértico.

Argentina no es la excepción en cuanto a producción de este tipo de bandas, y uno de los exponentes más jóvenes y prometedores es Sutrah, conjunto originario de Buenos Aires.
El trío está conformado por Juan Marcos en la voz y guitarra, Ariel en el bajo y Niko en la batería. Fue precisamente Juan Marcos quien cedió un poco de su tiempo y respondió las siguientes preguntas desde su hogar en el cono sur.


Cuéntenme un poco sobre la historia de la banda.

Empezamos a tocar a principios del 2006 o finales del 2005, no recuerdo bien la fecha. Nos juntamos a zapar [palomear] con amigos y así fue tomando forma la cuestión; al principio ni pensábamos en salir a tocar en vivo, sólo vivir y disfrutar el momento. 
Veníamos de tocar juntos en otra banda y la verdad estábamos saturados de lo que implica llevar adelante algo así, pero con el pasar de los meses, volvimos a sentir esa necesidad de salir a mostrar lo que haces, compartirlo con la gente y con otras bandas. Así fue como grabamos dos discos, hicimos muchísimos shows, viajamos, etc.

¿Por qué decidieron bautizar a la banda como Sutrah?

Necesitábamos tener un nombre porque habíamos conseguido nuestro primer show; se me ocurrió el nombre por el sonido que produce un SUTRA al ser pronunciado por varias personas. Suena grave, profundo, poderoso; nosotros le agregamos una H al final.

¿Con qué otras bandas argentinas sienten empatía y recomiendan?

Creo que tenemos la suerte de vivir en un país donde hay un gran número de buenas bandas; el underground nuestro goza de excelente salud, se editan discos, se organizan conciertos, festivales, etc., y todo con una calidad increíble. Somos amigos de varias bandas y nos gustan  muchas, las primeras que me vienen a la mente son: Stilte, Doma, Bhutan, 451, Los Antiguos, Poseidotica, Gripe, Dragonauta, Walicho... seguro se me olvidan muchas. 

De su álbum más reciente a la fecha, El Camino Hacia El Vacío, me llamó la atención el hecho de que fue grabado en cinta analógica, ¿por qué decidieron hacerlo así?

Tanto El Camino Hacia El Vacío como Volumen I (nuestro primer disco) fueron grabados en vivo y en cinta analógica de 2 pulgadas. Decidimos hacerlo así porque pensamos que es lo mejor para nuestro sonido; es mas cálido, mas profundo, es algo hermoso.

Escuché los dos álbumes que tienen en Bandcamp y noté mucha psicodelia, ciertas tendencias hacia el drone y largos pasajes musicales, ¿ustedes al momento de crear sus canciones consumen algún tipo de psicotrópico o toda la influencia la sacan de manera natural?

Lo de drone es la primera vez que nos lo dicen; yo realmente no creo que sea así. En cuanto a nuestras influencias, no provienen de los psicotrópicos; seria muy tonto, o por lo menos yo me sentiría así, si te dijera que sí.
Nuestras influencias vienen de todos lados, de la vida misma, de viajar a las montañas, de dormir solo en una carpa al lado del lago y no hablar con nadie por 15 días, de Julio Verne, de las artes marciales, de los gauchos, de nuestra historia, del río, del cine y la lista seria infinita. Sobra decir que también proviene de toda la música que nos gusta en general.

Portada de su más reciente material
Otra cosa que me gustó de ustedes es el diseño de las portadas de sus 2 discos porque me parecen completamente psicodélicas y encajan muy bien con su sonido, ¿quién hizo cada una y cómo los contactaron?

Las tapas [portadas] de los 2 discos las hizo Ramiro Socorro, un artista muy cercano a la banda y a nuestra vida, lo admiramos mucho y mantenemos una gran amistad de muchísimos años con él. Sabe interpretar nuestra música a travé de su arte de una manera increíble.


Hasta este momento, ¿cuál consideran que ha sido su mejor concierto y por qué?

Creemos que todos los shows son especiales, absolutamente todos; se trata de momentos únicos e irrepetibles, como cuando grabas un disco o cuando te encanta un riff.
Si tengo que nombrar un show, siempre vamos a recordar cuando fuimos teloneros de Kyuss Lives en su paso por Argentina. No nos conocía nadie, el lugar estaba repleto y salimos a comernos el mundo. ¡Fue increíble y vamos a recordarlo siempre!

¿Qué opinan de internet y del hecho de que se pueda compartir gratuitamente o no, música hacia todo el mundo?

Nos parece genial compartir nuestra música con todo el mundo, de manera directa, sin ningún buitre de intermediario.

Y por último, díganme los títulos de algunos de los discos lanzados en este 2013 que más les hayan gustado.

Omega Pentagram de Dragonauta.
Poison Apple de Uncle Acid And The Deadbeats.
Warble Womb de Dead Meadow.
Behind Dead Woods de Bhutan.


Como última recomendación, visiten el Bandcamp de la banda, en donde podrán escuchar sus dos álbumes (el primero se encuentra en descarga gratuita):
http://sutrahargentina.bandcamp.com/